sábado, 26 de febrero de 2011

... FERRÁN MADICO (Junio 2010)



Afirma que no esperaban este éxito y sin embargo Ferrán Madico, director de “Electra” precisa que la persona que no conociese demasiado a Benito Pérez Galdós, cuando haya visto esta obra, habrá salido deseando leer más a nuestro autor. Sin duda es cierto, la que esto escribe, así lo experimentó. Era hora de recuperar la valía de una obra que influyó notablemente en nuestra historia, que convulsionó totalmente una sociedad fragmentada y cambiante. Para saber quiénes somos es indispensable conocer quiénes fuimos y así nos lo contó Galdós. Hemos charlado con el director de esta gran puesta en escena:

Pregunta: Supongo, que siempre es buen momento para reivindicar a Galdós ¿verdad?

Ferrán Madico: Sí y éste precisamente es un buen momento. Creo que reivindicar a Galdós es necesario. Siempre hay muchos momentos, pero éste, en el que vivimos, creo que es un buen momento.

Pregunta: Quizá estamos tardando en reconocer su valor y“Electra” este montaje, sea un primer paso para ello, un importante primer paso, sin duda, ¿verdad?

Ferrán Madico: Sí y no olvidemos que sólo llevamos 30 años de democracia, con lo que tenemos que ir poniendo todas las cosas en su sitio y creo que ahora le tocaba a Galdós.

Pregunta: Me parece interesante lo que has comentado: Llevamos 30 años de democracia y tenemos que empezar a poner todas las cosas en su sitio...

Ferrán Madico: Sí, Galdós también habla de esto; creo que en “Electra” hace un gran resumen, no olvidemos que este autor era casi el que hacía inventario en la política española con sus Episodios Nacionales, su constante análisis y reflexión, tanto es así que acabó involucrado en la política ¿no? Con lo que Galdós al escribir “Electra” reflexionaba un poco o muy mucho, sobre la sociedad de su época; sobre esa sociedad de finales del Siglo XIX y en esa sociedad, creo incluso que vislumbró la sociedad española del siglo XX; no olvidemos que él reivindica la separación del Estado e Iglesia, tuvo muchos avatares y desde esos comienzos del XX, hay una república y golpe de estado; una segunda república y otro golpe de estado; y la democracia y un intento de golpe de estado...

Pregunta: He leído que es éste tu primer contacto con Galdós...

Ferrán Madico: Sí, aunque es el primer contacto en cuanto al teatro se refiere y montar una obra de sus obras... A Galdós lo conocía, pero ahora es cuando más he profundizado en su obra, porque es lo que considero que hay que hacer cuando vas a dirigir, intentar poseer el alma del autor; estudiar y analizar qué es lo que crees que quería decir para poder mantener su discurso totalmente incólume.

Pregunta: ¿Cómo ha sido este proceso de acercamiento y profundización en la obra de “Electra”?


Ferrán Madico: El proceso ha sido muy gratificante porque es un autor vastísimo y cuanto más vas entrando, más vas descubriendo lo complejo, lo inteligente, los cimientos que tenía...

Pregunta: Realmente el texto es soberbio y también lo encontramos repleto de símbolos, como por ejemplo la misma protagonista, Electra, no sólo es una mujer, también es España...


Ferrán Madico: Yo creo que sí y a partir de ahí hemos trabajado; no olvidemos que tanto Electra, como Evarista, como la madre de Electra, Eleuteria, son tres mujeres cuyos nombres comienzan por “E” y España empieza por “E”, con lo que, creo que esos símbolos que muy bien apuntabas, de la obra son correctos. Creo que Electra es la fuerza del pueblo, la fuerza de la sociedad que empieza a tomar conciencia política, que empieza a tener un gran auge y que el pueblo termina asumiendo la soberanía nacional como muy bien reivindicaron en las constituciones...

Pregunta: Yo no sé si también ese final nos habla de una libertad total. La razón vence, pero no va por delante de la mujer, de Electra. Ella camina libre, y tras sus pasos avanza la razón...


Ferrán Madico: Yo creo que la metáfora de Electra que nos hace Galdós, es esta fuerza que se debatía entre dos poderes que querían intervenir sobre ella; uno es el oscurantismo, en este caso reflejado por un eclesiástico fanático y por otro lado, otro fanático pero de la ciencia que es Máximo, con lo que Galdós nos presenta esa confrontación dialéctica entre el oscurantismo y la ilustración. Afortunadamente Electra toma partido por la ilustración, por el conocimiento, por la lectura y se hace una mujer moderna, del siglo XX y por eso huye, aunque no huye; ella sale hacia delante, hacia la calle y deja atrás esa iglesia tan obsoleta y la sigue la fuerza del raciocinio, de la ilustración...

Pregunta: A mí, en cambio lo que me llama la atención es que es la fuerza de la razón la que sigue a Electra, no al revés...


Ferrán Madico: Sí, ella siempre irá en primer lugar porque es una mujer moderna y una mujer que ha entendido el juego, los conflictos que existen y dichos conflictos la han ayudado a ser ella misma y al serlo, ha logrado ser libre... Y cuando alguien es libre no depende de nadie, en todo caso, escoge a quien tiene más cerca y a quien quiere más lejos.

Pregunta: He leído que normalmente en tu carrera te has decantado, te has acercado más a los textos británicos como Shakespeare, americanos como Arthur Miller... ¿Qué diferencias encuentras entre estos textos y los españoles, y Galdós, por ejemplo?

Ferrán Madico: No he encontrado tantas diferencias y eso me ha hecho descubrir que Galdós es un gran autor. La estructura de esta pieza tiene muchas semejanzas con las de las obras de Shakespeare, es decir, los primeros minutos de la obra es una presentación de personajes que ya están en conflicto, que ya están en tensiones latentes; al igual que pasa con Shakespeare, no siempre en los primeros minutos se presentan a los personajes, hasta el cabo de un rato que hayas entrado de la historia es cuando viene ya toda la fuerza y todo los grandes momentos teatrales, esto comparándolo con Shakespeare; comparándolo con los autores más contemporáneos como pueden ser Miller o Pinter, es porque dota a la pieza de un discurso ideológico, sus personajes casi son épicos, son realmente símbolos, con lo que le da una mirada muy contemporánea... Creo que Galdós fue un visionario de su tiempo y es una suerte que fuese de nuestra sociedad.

Pregunta: También has comentado que aún hoy en día Benito Pérez Galdós está maltratado...


Ferrán Madico: Maltratado... ha estado como apartado, fíjate que han venido muchos galdosianos tanto del estado español como de Estados Unidos, de Suecia, Suiza, Francia, Alemania... han venido a ver este montaje, y yo me he preguntado ¿Cómo es que hay tantas cátedras de Galdós en Estados Unidos, cómo es que hay tantos seguidores de Galdós...? Yo creo que es porque hubo muchas generaciones que tuvieron que exiliarse, que tuvieron que emigrar y se llevaron consigo la fuerza y los valores de la sociedad o del territorio que dejaban, aunque sentían que eran suyos... con lo que este Galdós desparramado por todo el mundo es una muestra de su fuerza...

Pregunta: Has comentado, y me ha parecido curioso porque me pasó lo mismo, que seguramente cuando la gente que no hubiese leído demasiado a este autor viese “Electra”, saldría del teatro corriendo a leer a Benito Pérez Galdós... y como te digo, a mí me pasó...


Ferrán Madico: Eso me hace mucha ilusión que lo digas porque hay mucha gente también que comparte esta opinión... muchos espectadores nos los han comentado... Y realmente uno de los cometidos de esta iniciativa era reivindicar a Galdós y otra vez que este autor sea una lectura normal...

Pregunta: Yo diría incluso más, al ver “Electra” y al salir del teatro, personalmente, encontré uno de los “porqués” del teatro... esa función social que a veces parece haberse olvidado y más teniendo en cuenta lo que significó en su momento esta obra...


Ferrán Madico: Sí, en su momento fue una pieza que convulsionó la sociedad, yo creo que afortunadamente hoy no ha convulsionado a la sociedad, pero esta pieza nos hace reflexionar muy mucho sobre en qué momento de nuestra historia estamos, nos muestra de dónde venimos y nos hace ver su proximidad, aunque haya pasado un siglo... tenemos todavía muchos puntos en común con esa sociedad y hay aún muchos debates por hacer... aunque también creo que afortunadamente ahora es un proceso intelectual ver la función, pero en su época... que Galdós saliese a hombros, el “Gabinete Electra” en la política, que se pidiese tocar cuando iban de gira por España el himno de Riego, significa cómo esta de convulsionada, confrontada y fragmentada la sociedad española de aquella época...

Pregunta: ¿Cuáles son tus próximos proyectos?


Ferrán Madico: Ahora, el inmediato es que he sido padre, hace dos meses, y estaba aquí, ensayando en Madrid y he disfrutado muy poco de mi hijo... quiero dedicarle un tiempo intenso a él... pero estamos ya hablando de futuros proyectos, pero ya sabes que en nuestra profesión no nos gusta desvelarlo, hasta que no estás ensayando porque sino... hay proyectos que salen, otros no...

Pregunta: Me parece muy poco tiempo para esta gran obra. Sólo diez días... Supongo que girará por toda España...


Ferrán Madico: Sí, nosotros esperábamos muy buena acogida, el teatro también, pero realmente la acogida que ha tenido nos ha sorprendido y nos ha ilusionado porque es el objetivo... estamos teniendo el teatro lleno cada día y eso en Galdós, creo que es un rédito cultural muy importante para la sociedad. Que la sociedad vaya al teatro es algo muy importante, por un lado y que acuda para ver, redescubrir o reencontrarse con Galdós pienso que dice mucho y bien de la sociedad y nos alegra muchísimo...

Pregunta: Personalmente, hacía mucho tiempo que no veía una obra de teatro así, con ese contenido, con esa capacidad para removerte, con esos personajes tan intensos y tan bien interpretados... Antonio Valero como ese eclesiástico fanático está magnífico y Sara Casasnovas...


Ferrán Madico: Sí, ha sido un lujo poder trabajar con ese grupo de actores y creo que hemos llevado el espectáculo a un grado de exigencia, de compenetración entre todos y de equipo que se suma para servir esa energía al público de hoy y para rendir un homenaje a Galdós... que sin su esfuerzo...porque los actores han hecho un trabajo muy difícil. El texto te lleva a un costumbrismo que hemos querido evitar, justamente para darle esa mirada más épica, más contemporánea; esto por un lado, y por otro, las acciones físicas que casi les obligamos a hacer, esos movimientos corales, luego el trabajo con las escenas... eso es de grandes profesionales que aman su trabajo y que dedican toda su energía a ello y por eso creo que estamos llenando, que el público está respondiendo tan bien, porque ve que hay un gran trabajo y una gran entrega y eso casi lo convierte casi en un concierto de rock; la energía fluye del escenario al público y eso lo ves... y casi se puede tocar...

Sofía Basalo.

sábado, 19 de febrero de 2011

... MARÍA ISASI (septiembre 2010)



El Teatro Español ha comenzado la nueva temporada con mucha fuerza, al recuperar uno de los títulos más importantes de Arthur Miller, “Todos eran mis hijos”. Esta puesta en escena ha propiciado el regreso a las tablas de una pasional actriz, cuyo rostro conocemos a través de su buen trabajo en televisión, dando vida a Diana en “Amar en tiempos revueltos” o la madre de Mari Luz, por cuyo trabajo recibió el Premio Unión de Actores, ella es María Isasi, con quien hemos podido charlar largamente:

Pregunta: ¿De qué puede salvarnos el silencio y la negación?

María Isasi: De afrontar lo inevitable.

Pregunta: ¿Estamos a tiempo de cambiar el rumbo de una sociedad que parece haber olvidado los valores más humanos?

María Isasi: No lo sé, la evolución de la sociedad es algo demasiado grande... Si hay algún cambio posible desde luego empieza por el intento de uno consigo mismo. El intento es importante, eso ya es el comienzo de algo.

Pregunta: ¿Cómo está siendo la experiencia de sumergirse en el gran de texto de Arthur Miller y trabajar con un director como Claudio Tolcachir?

María Isasi: Pues un doble premio!!. Trabajar con los autores universales es un regalo, una lección constante, como profesional y como ser humano, sus textos son una quimera para cualquier actor. Sus temas, tan actuales a pesar del paso del tiempo son profundos y cotidianos a la vez. Si a todo eso sumas que te dirija una fiera tocada también por el don de la creación, un director que cree y confía en la labor propia de cada actor, pues es una suerte inmensa.

Pregunta: ¿Quién es Sue Bayuss?

María Isasi: Una mujer víctima de sus circunstancias, como todos. Una vecina, y como vecina supone un punto de vista distinto de las cosas. Ella encarna a la sociedad. Lo maravilloso de los grandes autores es que escriben con detalle hasta los personajes más escuetos, y son en sí mismos un mundo. Sue Bayuss somos todos, lo más criticado, lo más amado y lo más desnudo.

Pregunta: Claudio Tolcachir ha afirmado que en el teatro los actores lo son todo. ¿Crees que es así?

María Isasi: No, eso lo dice porque es muy generoso, pero no. El teatro conforma todo aquel que se halle dentro del recinto en el momento en el que sucede. Desde el acomodador, hasta la primera figura del espectáculo, pasando por el del bar y el espectador de la última fila. El teatro como ritual es cosa de todos los presentes y factores que participan de el. Por eso es tan importante que todo el mundo se sienta parte implicada en ello. Por supuesto unos tienen más cargo que otros, es como la tripulación de un barco donde el capitán es indiscutiblemente el director.

Pregunta: Creo que intentaste burlar tu vocación como actriz, pero fue inútil ¿es así?

María Isasi: Cuando era pequeña lo veía y vivía desde fuera y me parecía algo demasiado inestable, así que me agarré a la ciencia, algo tangible, dos más dos.. Había algo que me llamaba a mirar el mundo, observarlo, analizarlo… pero inevitablemente también a representarlo. Me conmovía especialmente ver cómo una obra de teatro o una película podía producir un efecto tan revelador y catártico en las personas.. podía cambiar algo sustancial en la gente.. había verdad y yo quería participar de eso. Asi que junté la ciencia con el arte.. me fascina la parte de laboratorio, y de investigación de este trabajo.

Pregunta: Has comentado que el teatro debe ser un espejo ante el mundo ¿qué lo empaña?

María Isasi: No lo he comentado yo. Son palabras de William Shakespeare que que representan un dogma para mi. Que el espectador se reconozca en lo que ve, lo ame, lo odie, le pasen cosas porque se sienta removido en algo que identifica, de si mismo y de su entorno.. creo que esa debe ser su finalidad.

Pregunta: ¿Qué te ha dado “Diana” en “Amar en tiempos revueltos”? Un personaje íntegro, intenso, pasional…

María Isasi: Diana me ha dado mucho más de lo que yo podía esperar. Me ha superado. Me ha dado confianza en mi y en mi trabajo. Trabajar en una serie como Amar es la mili para un actor. Agarras un personaje que está por escribir, eso no te pasa en ningún sitio. Y poco a poco vas creándolo, mano a mano, con todo el equipo. Vas viviendo día a día como crece, cómo se enfrenta a la vida. Y a veces parece que va sólo. Es una experiencia realmente rica y hermosa. Además me ha devuelto una respuesta increíble del público, que no sólo se ha sentido identificado con ella sino que la ha querido como si fuera de la familia y eso es lo más bonito que te puede pasar.

Pregunta: En los últimos tiempos la televisión está dando muchas cosas buenas a los actores españoles ¿verdad? Creo que la serie sobre Mari Luz, ha sido una de las experiencias más duras e intensas que has vivido…

María Isasi: El cine se está convirtiendo en algo tan exclusivo, tan elitista en parte, si me apuras… que resulta un milagro trabajar en él. Sin embargo las producciones televisivas se expanden, hay cada vez más oferta, más calidad, y ahí cabemos más… en la diversidad está lo rico y la televisión está dando muchas oportunidades a actores que si tuviéramos que vivir sólo de cine o teatro probablemente desistiríamos. Mari Luz fue para mi como tomar la alternativa.. la oportunidad de demostrarme a misma y a los demás que podía hacer un trabajo complejo de construcción de un personaje. Que sabía y que estaba preparada para ello. Fue la gran oportunidad que sueña cualquier actor. Y estaré siempre agradecida a la mano que me la brindó con tanta confianza y amor, Antonio Hernández. Y por otro lado fue doble responsabilidad porque estaba narrando una historia viva, de personas con nombres y apellidos que están sufriendo y que iban a ver en la pantalla "tu interpretación" de su historia y eso suponía una presión fuerte, requería un compromiso firme pero si las cosas se hacen con determinación, claridad y honestidad llegan donde tienen que llegar.

Pregunta: Sin embargo, creo que estás deseando volver al cine y hacer comedia…

María Isasi: Hace tiempo que no hago cine, el cine tiene lo que tiene el teatro y la televisión juntos. Pero no lo echo de menos, es un capricho más bien.. al que le gusta actuar es feliz allá donde tenga una parcelita para hacerlo.Y lo de hacer comedia también es un decir.. me gusta hacer reír a la gente, para mi el humor es fundamental en la vida.. antes siempre me daban personajes más dramáticos, ahora van pillando mis cualidades cómicas y eso me gusta!. Pero los personajes más ricos son aquellos que te hacen pasar por todo, por tus alegrías y también por tus miserias.

Pregunta: Unos padres como los suyos suponen abordar esta profesión con una responsabilidad enorme, ¿no es así?. ¿Pueden también, hasta cierto punto, ser un obstáculo?


María Isasi: El tema está cuando la responsabilidad y el obstáculo se los pone uno, y el camino que escoge hacer. Es bonito que la gente tanto de la calle como de la profesión hablen de ti como actor, que te descubran trabajando y no por ser hijo o hija de.. Y yo creo que lo he conseguido. Por otro lado a ellos sólo les puedo estar agradecida, me han enseñado tanto.. y me han transmitido un amor y un respeto por esta profesión que ya forma parte de una tradición familiar que viene desde la madre de mi padre que fue actriz hace más de cien años y que nos impregna a todos. Mi hermana es una fotógrafa de cine maravillosa, mi hermano fue ayudante de dirección y trabajó con directores como Coppola y ahora dirige los estudios de televisión y cine que construyó mi padre… todos amamos esto!!! Hasta mi ahijada que ya apunta maneras.. y eso es muy hermoso. Igual que la tradición familiar de un panadero o de un carpintero.. para mi es un orgullo formar parte de una familia de artistas.

Pregunta: ¿Qué lucha es más dura, la de atraer al público a las salas, o la de hacerse un hueco, hacerse ver por los que manejan la industria cinematográfica o teatral o televisiva, incluso?


María Isasi: Si algo es bueno, el público aparece sólo.. ¡Y cúanta falta le haría a la industria saber y creer en eso de una vez!!!! El público es muy inteligente.. y se le subestima demasiado.. Por lo tanto todo tiene que ver.. En cuanto la industria crea en las cosas hechas con calidad, compromiso y alma, habrá más hueco para la diversidad, para más artistas.. Tenemos mucho arte en este país.. no tenemos nada que envidiar ni que imitar de nadie.

Pregunta: Has comentado que al cine y al teatro les falta apoyo económico ¿No hay fe en nuestros profesionales?


María Isasi: Yo creo que poco a poco se está recuperando esa fe. No sé si falta apoyo o si se focaliza en determinadas cosas y se reparte poco. Pero aún y así ,con poco, hay mucho genio joven surgiendo sin apenas recursos económicos pero gran capacidad artística. Habría que apoyar más a esos nuevos talentos, directores, guionistas.. a lo diferente e innovador, ser más valientes, arriesgar. En el riesgo está lo vivo.

Pregunta: “El arte es alimento para el alma” ¿Están nuestras almas en la actualidad hambrientas?

María Isasi. Yo creo que sí. Vivimos en un primer mundo que está en crisis económica, política, de valores.. precisamente por haber sobrevalorado el dinero y lo superfluo como lo más importante para la felicidad. Ahora que no está, que nos ha explotado en las manos, no nos queda otra que buscar "alimento" de otras formas y en otros lugares. Y el arte siempre ha sido una magnífica medicina para eso, y además crece, cuando hay crisis, la búsqueda artística se dispara, se dispara el ingenio, precisamente como necesidad para el alma. Y estamos viviendo un momento muy fructífero en ese sentido. Sería hermoso que la gente acudiera al teatro o se metiera en el cine con la asiduidad con la que se va de compras para animarse.

Pregunta: Tengo la impresión de que eres una mujer muy pasional que vive su profesión de una manera muy intensa ¿qué costes tiene esa forma de vivir la interpretación y qué recompensas?


María Isasi: Es bueno aprender a manejarse con la pasión, que no te domine en ciertos aspectos. Darle demasiada importancia a lo que uno hace como si fuera la vida en ello, no es muy recomendable. Lo importante es lo que sucede fuera del teatro, nosotros sólo lo representamos, y eso me ha costado tiempo aprenderlo. Rebajar la exigencia conmigo misma, y salir al escenario a disfrutar y contar lo que tengo que contar sin darme tanta importancia a mi misma, está siendo una lección de oro. Que si un día me equivoco en una frase o no estoy tan "genial" como el día anterior, son gajes del oficio y no está en juego la vida de nadie. No es importante. La pasión es un motor pero no es lo único en esto, también hace falta ponerle cerebro, instinto, alma, sentido común.. es un compendio de muchas cosas. Por otra parte te diré que si no es con pasión ciega es difícil dedicarse a esta profesión de "locos". Comulgar con un público, entregarse a el, ofrecerles tu trabajo y conseguir que lo vivan contigo es lo más hermoso y apasionante que te puede suceder.

Sofía Basalo.

domingo, 13 de febrero de 2011

... BERNABÉ RICO (Septiembre 2009)



Hay que tener las cosas muy claras para arriesgarse con una producción privada que no sea “mayoritaria”, que se separe un poco del camino a seguir, de la convención... hay que tener las cosas muy claras para arriesgarse con un texto que se estrena por vez primera en nuestro país. Así de claras las ha tenido Bernabé Rico, un joven actor que también es productor y artífice de esta aventura, que desde la primera vez que vio la versión cinematográfica del texto de Roger Rueff descubrió en él una obra de teatro que era necesario poner en pie. Dos largos años ha mantenido ocupado al actor sevillano la noche en la que tres ejecutivos esperan a su cliente estrella en una suite de hotel. Dos años de trabajo, dos años de sacrificio que en estos momentos está viendo más que recompensados. Hemos hablado con Bernabé Rico:


Pregunta: Has sido el artífice de este proyecto. El productor y el traductor. Cuéntanos cómo fue la génesis de esta aventura.


Bernabé Rico: La génesis se remonta a 2007. Nosotros tenemos un producto que es dar formación utilizando el teatro a empresarios y a trabajadores de empresas, con lo que nos encargaron unas sesiones para empresarios donde se viera el potencial tan grande que tienen las personas que llevan mucho tiempo trabajando en una empresa, mayores de 45 años. Entonces, me recomendaron la película de “El pez gordo”, la vi y me di cuenta que detrás había una obra de teatro, porque había un solo escenario. Comencé a buscar la obra, no la encontraba. A través de internet busqué por Estados Unidos, en todas las librerías virtuales y tampoco; entonces me llamó mucho la atención de que no existiera, porque todos sabemos que si algo no está en internet no existe, eso está claro; así que lo dejé por imposible... pero de repente, un par de semanas después, buscando información sobre el autor, ya ni siquiera de la obra, caí en la página web del mismo, entonces ahí lo encontré todo... él mismo decía que la obra no estaba editada, que él quería tener un control directo sobre las compañías que montaban sus obras, me puse en contacto con él y me cedió los derechos para traducirlo, en primer lugar, luego para montarla y desde 2008 que fue cuando me cedió los derechos, hemos tenido un contacto muy directo... él ha hecho un seguimiento muy cercano de todo el montaje, de los actores, del director, de la misma traducción, las pequeñas adaptaciones que hemos ido haciendo del texto... la verdad es que hasta la semana pasada que ha sido cuando ha venido a ver la obra, ha sido un proceso muy cercano y muy bonito, porque ver que alguien que ha escrito un texto, que la ha imaginado, él mismo, en un hotel.. porque él trabajaba en una empresa de lubricantes industriales, y en cierta forma es autobiográfico, porque ocurrió realmente... el inicio de la obra fue totalmente autobiográfico, lo que ocurre, no; simplemente fue la génesis de decir “ aquí hay material interesante para escribir una obra de teatro”

Pregunta: El Cartel de promoción de esta obra es muy original; de hecho he leído algunas afirmaciones, en las que aseveras que el teatro español está un poco anticuado en ese aspecto...

Bernabé Rico: Bueno, matizo. No me gusta hablar en general, me gusta ser concreto y específicamente lo que no me gusta de España es la forma en que enfoca la venta de una obra y eso implica los carteles, los canales de venta, me refiero a la promoción de la obra... la publicidad, el tipo de publicidad que se hace... y a mí me da mucha pena... Esta obra por ejemplo; si me he lanzado a producirla ha sido porque era la única forma de que llegara a España, por un lado y por otra parte, porque yo soy un actor reconvertido a productor; es decir, si yo no me subiera todos los días a un escenario a hacer esta obra, yo jamás me habría metido en este embolado tan grande, porque llega un momento en el que son los sufrimientos sólo tienen compensación si luego está ahí el público para agradecértelo, porque realmente, si hubiera sido el único productor no habría invertido la cantidad de esfuerzo y dinero en una cosa que no fuera tan personal... es decir, desde el mismo dossier, la página web de internet, todo... yo tenía muy claro que había de ser como yo quería que fuera desde mi personal punto de vista... no he escatimado medios ni económicos ni nada... por eso un productor normal y corriente, jamás lo habría hecho, porque en realidad el porcentaje de compensación económica que vas a recibir es muy pequeño, pero la satisfacción personal es muy grande... el teatro americano me gusta mucho, por eso he traído esta obra... intento ir todos los años a ver montajes a Londres o a Nueva York, y la verdad es que se me cae un poco la cara de vergüenza al ver cómo Madrid que es un núcleo mundial del teatro, porque esa es la realidad... hay muy pocas ciudades en el mundo donde haya tanta oferta teatral por habitante como es Madrid... me da mucha pena ver cómo en una ciudad como ésta, la oferta teatral que hay, por un lado sus carteles sean típicos, las dos, tres caras que están mirando al frente cada uno con su personaje y que no se cuide eso en una forma como se hace fuera... y la razón de que esto sea así, es porque la gente, el público no lo exige, no lo pide, ve un cartel normal, tal y como se hacía en los años cuarenta... y no le llama la atención ni le echa para atrás... y eso se lo achaco un poco a que por un lado, el público no exige más, le da igual lo que el productor haga respecto a eso, y a veces me atrevo a decir que hay una falta de respeto de los productores que ni siquiera hacen algo más que gastarse exclusivamente lo necesario para coger dos fotografías con “photoshop” y meterlas en un fondo azul y las letras... pero bueno, confío en que empiece a haber alguna que otra producción que cuide un poquito eso... incluso en el teatro público, el CDN por ejemplo, desde hace un tiempo, está manteniendo una corriente estética distinta, muy sugerente...

Pregunta: Me llama la atención lo que comentas, que al público le da lo mismo... ¿Crees que también le da lo mismo, no sólo al público sino también al productor, lo que ocurra más allá del cartel publicitario?...

Bernabé Rico: Sí. No hay duda; como te comentaba antes, si el espectáculo no tuviera éxito la gente, los productores, empezarían a preguntarse “a lo mejor es que debemos currarnos un poquito más esto de “la venta”” pero no es así. Me es muy triste asistir a espectáculos que a lo mejor, tienen un texto bueno, pero la forma en que están enfocados, dirigidos, es literalmente a buscar la risa fácil... yo, como espectador, he visto un espectáculo bueno, que ha estado totalmente dirigido a buscar la risa fácil y además el público se lo ha agradecido... el público parece que no busca nada más... entonces, si eso es lo que quiere... yo no voy a ser quien se lo eche en cara... pero, como productor no puedo meterme con el otro productor, porque haya hecho lo que el público demanda... a mí, por ejemplo, programas como “La Noria” me parecen horripilantes, pero están ahí porque el público lo quiere... entonces yo no le puedo reprochar absolutamente nada a esos programas... ni tampoco se lo puedo hacer a la gente, porque la gente es libre y por eso estamos en democracia, pero reconozco que me queda un sabor agridulce, al decir “ésta es la gente que me rodea, ésta es la sociedad en la que vivo y qué pena que no haya un sector que demande algo más”... pero sé que lo hay, porque lo vivo, porque todas las noches me subo al escenario y veo cómo reacciona el público... Puedo decir con toda seguridad que, al menos en el teatro privado, no hay actualmente en cartelera ninguna obra como la nuestra. Hecha con rigor, con un texto de ese calado y a la vez, dirigida de esa forma tan amena y con tanto humor... y estamos viendo que hay un público que lo demanda... y aún así, la realidad es que hay otro público que lo que está demandando es que haya tres gags por minuto... y por eso no le puedo pedir al público que quiera lo mismo que yo...

Pregunta: Y aún así tomas el camino “más difícil”... Una especie de Quijote luchando contra gigantes ¿no?... Pues, no es la primera vez que produces y arriesgas, desde hace ya algún tiempo cuentas con tu propia compañía, “Talycual”...

Bernabé Rico: Sí, hace ya cinco años... “Quijote” son palabras mayores... y además, Quijote luchaba por algo imposible... y sólo tenía un allegado que era Sancho Panza... yo he tenido mucha suerte y cuento con muchos allegados, empezando por el pedazo de equipo que tengo, con mis compañeros de reparto, Helio Pedregal y Toni Cantó, con Juan Carlos Rubio que es un director, un autor y un amigo increíble... además todo el mundo que se ha acercado a este proyecto ya sea para trabajar, ya sea como espectador, se ha quedado prendado de él... al revés, más que un Quijote me considero alguien que de repente se ha imaginado algo que le ha gustado, que le ha apasionado... lo ha compartido con gente cercana y esa gente se ha ido sumando a la aventura... con lo que me siento un poco “Flautista de Hamelín”, por buscar un símil literario...

Pregunta: En esta obra encontramos tres personajes, tres hombres que se encuentran en tres épocas distintas de la vida ¿podrían ser una misma persona?

Bernabé Rico: Sí, de hecho, lo curioso es que es algo que no está en la obra escrito, que ni siquiera está implícito, pero al tiempo de leerla y de empezar a trabajar en ella, en su traducción, se me empezó a ocurrir que de forma muy sugerente podía estar ahí la idea... y como te he comentado que el autor y yo habíamos tenido muy buena relación, él había hecho un seguimiento del proceso de creación del montaje, lo dejé caer un día, como por casualidad, y el autor se me quedó mirando como diciendo “es que es eso”... y con el tiempo, cuando vino a ver la obra, comentó que es algo que él nunca lo dice al principio porque le gusta que sea el mismo director o los mismos actores los que se vayan dando cuenta de esto... y lo curioso es que todas las personas, los artistas que montan esta obra, no importa el país que sea, siempre los que hacen un buen montaje, acaban dándose cuenta de esto, de que es una especie de una sola persona, durante tres etapas de su vida. Para nosotros es muy gratificante escuchar cosas como la que nos dijo después de ver la obra la primera noche (porque vino tres) que era una de las mejores producciones que ha visto de esta obra en todo el mundo... entonces, la verdad es que eso te llena de satisfacción y antes de irse nos dijo una cosa muy bonita y es que se iba con la tranquilidad de saber que su obra se iba a estar representando cada día, de la forma en la que él la había escrito aquí, en España... entonces, saber que el autor y tu producción están en la misma sintonía es algo que te anima a subir cada noche a hacer tu trabajo.

Pregunta: De igual modo has comentado que el final de esta obra es un final esperanzado... pero yo no lo tengo muy claro, pues tu personaje en un principio cree que se puede nadar en esa pecera defendiendo sus propios principios, pero el personaje de Toni Cantó nos demuestra que no, que hemos de envolvernos en otra piel más dura, más fuerte...

Bernabé Rico: Sí... una piel de tiburón... yo sí creo que tiene mucha esperanza ese final, porque para empezar, yo creo que el personaje de Toni Cantó, es una persona que encierra una gran humanidad, lo que le ocurre es que está rodeado de una coraza y de un pragmatismo que a veces incluso puede parecer que sea lo contrario... pero lo bonito es que a lo largo de la obra ves que él tiene una línea de pensamiento muy clara y muy humana en su forma de proceder con el mundo... por ejemplo, por un lado él intenta transmitir sus conocimientos, lo que ha aprendido a lo largo de la vida, a mi personaje que es el más joven, el que está comenzando... el problema está en que yo tengo mis ideales y los llevo como un estandarte, como sinónimo de “esto es lo que hay que hacer porque es lo correcto, es decir, tengo la razón porque creo en esto”... y en cambio el personaje de Larry (Toni Cantó) es “me parece muy bien, tus ideales están muy bien y son algo muy loable, pero en la vida hay algo más que eso”... el problema de la religión está en que si tú tienes una cosa que es la fe, fe en algo externo que directamente ya te viene impuesto porque no se puede discutir en lo que tú crees... la imposición que hace la iglesia de todo esto... con lo que tú lo tomas como un dogma de fe y sino, estás fuera de la iglesia, entonces, eso ya te salva porque no tienes que pensar ni luchar por nada, simplemente luchar en nombre de la religión y el personaje de Toni lo que dice es que se tiene que pensar por uno mismo, se tiene que ser consecuente con el mundo para lo bueno y para lo malo... en la parte en la que Toni intenta explicarme a mí lo importante que es para él ser honesto en el trabajo, lo que implica a veces no tener que tragar con un montón de cosas... hay una parte muy bonita en la que le explica a mi personaje cómo a un cliente de otra empresa que quiere que le venda un producto, después de aguantarle horas y horas de mentiras, de repente, planta los cubiertos sobre la mesa y le dice “mira hasta aquí hemos llegado, eres un mentiroso y me da igual todo...” Ese ejemplo, es cómo Larry (Toni Cantó) ve la vida... y yo sí creo que hay esperanza porque al final de la obra, el personaje de Helio Pedregal, nos dice que aparte de todas las confrontaciones que puede haber entre el personaje totalmente idealista y obcecado en una ideología sumamente cegadora como es tomar una religión de una forma fanática, y el personaje de Toni Cantó que lo único que tiene en mente en ese momento es conseguir el contrato, porque sino se iban a la calle... al final el personaje de Phil (Helio Pedregal) lo que le da es la coherencia de decir “ni es lo uno ni es lo otro”... la vida es otras cosas... en ella están la familia, los amigos... esas cosas que dejamos de lado cuando nos quedamos con un único punto de mira.
El autor cuando estuvo aquí, ponía de ejemplo a Estados Unidos, su país, y decía que se estaba dando cuenta de que en tiempos de crisis, como ahora, parece ser que su obra cobraba un especial significado, porque parecía como si la gente con la crisis, hiciera una especie de catarsis porque se da cuenta de que realmente como no tienen dinero para comprarse otro coche, otra casa, ir de vacaciones... lo que hace es encerrarse en su propio ámbito, entorno y hablan más con sus hijos, se relaciona más con su familia, con sus amigos, se apoyan más los unos a los otros... las relaciones se refuerzan y se consolidan... Es curioso porque eso es lo que pasa en la obra... Los tres personajes acaban totalmente cambiados y lo que le queda al espectador es que realmente no es el fin del mundo...

Pregunta: En un momento de la obra se dice que el personaje de Toni Cantó es “Honesto”, pero tú lo has calificado como “tiburón” ¿Hay algún tiburón honesto?


Bernabé Rico: Toni, en verdad es un pez globo con piel de tiburón... si fuera un tiburón auténtico en el sentido de la palabra más intrínseco, me habría comido a la primera zarpada... nada más entrar en escena y verme allí como un pardillo, directamente se me habría echado a la yugular y me habría quitado del medio... el personaje de Toni es un hombre que no necesita mostrar sus ideales, su forma de pensar, su modus vivendi... su forma de ver la vida, la tiene de un modo tan intrínseco que él vive así, no hace falta que cuente cuál es su forma de vivir, ni su forma de pensar... simplemente él vive... lo que sí tiene es esa piel de tiburón, una piel externa, que hace que tenga una gracia innata, una verborrea casi diarreica, no puede parar de hablar y tiene mucho encanto... tiene muchísimo encanto, porque te embelesa... y piensas pero si puede venderme cualquier cosa... es un poco así, pero sí es honesta, porque vive como él piensa de verdad... tú puedes ser honesto y no llevar la mejor vida posible, pero si eres honesto en cómo lo planteas, entonces te conviertes en una persona que va con la verdad por delante... yo creo que Larry es una persona que va con la verdad por delante, y esto no quiere decir que todo lo que exponga haya que tomárselo en serio... he visto muchas personas como Larry, como el personaje de Helio Pedregal y como el mío propio, más aún cuando he estudiado durante diez años en un colegio del Opus Dei... eso te crea mucho material para trabajar...

Pregunta: ¿Cómo fue esa experiencia?

Bernabé Rico: Bueno... la experiencia fue que llegó un momento en el que directamente les dije a mis padres “o me voy o me voy”... la única forma de irme en ese momento era estudiar en el extranjero y lo conseguí... conseguí embelesarles con mi piel de tiburón, y les hice ver que lo mejor era ir a estudiar en Estados Unidos, porque me apetecía muchísimo... aunque en realidad lo que más me apetecía era salir de un colegio donde todo era “a+b=c” y en ningún momento puedes cuestionarlo... no podía ni tener el pelo largo, como lo tenía yo; de hecho, con el tiempo, me enteré que ésa fue una de las cuestiones por las que se me ayudó a que me fuera... No sé si la cosa habrá cambiado pero, tampoco ha resultado ser una experiencia traumatizante... si bien, si tuviera algún hijo, el último colegio al que lo apuntaría sería a uno del Opus Dei...

Pregunta: Creo que uno de tus últimos proyectos teatrales ha sido “A la luz de Góngora” ¿Qué tal se vive a la luz de este autor?

Bernabé Rico: Es ir a las antípodas de lo que estoy haciendo ahora... ha sido curioso porque “El pez gordo” se gestó mientras estaba actuando en “Humo” con Juan Luis Galiardo y Kiti Manver y cuando empezamos la gira de “Humo” comenzó el proyecto “A la luz de Góngora” que ha dirigido Kiti. Me llamó y compaginamos “Humo” con “A la luz de Góngora” y yo ya estaba con “El pez gordo”... con lo que venía de hacer una obra ambientada en España en la época actual, de repente tenía que compaginarla con una obra ambientada en el siglo de oro y estaba con la cabeza en la traducción de una obra americana que hablaba sobre lubricantes industriales y tres ejecutivos en una habitación de un hotel de Kansas... fue muy curioso todo... mi experiencia de Góngora ha sido muy enriquecedora... es muy bonito trabajar cosas que no conoces de primera mano y llega un momento en que ya son parte de ti... todo el proceso de trabajo con los compañeros, con Kiti Mánver, con Juan Luis Galiardo ha sido muy interesante y sobre todo ver que puedes compaginar tanto trabajo y tan diverso, te alivia mucho...

Pregunta: La pena es que “A la luz de Góngora” no haya llegado a Madrid...


Bernabé Rico: No aún no ha llegado... pero te digo que si hay una persona que sea muy muy constante entre todas las que conozco, ésa es Kiti Mánver... y sigue intentándolo... con lo que no te extrañe que pueda llegar en un momento dado... (risas)

Sofía Basalo.

sábado, 5 de febrero de 2011

... LLUM BARRERA (Octubre 2010)



Florence Foster Jenkins nació en 1868, siempre quiso cantar aunque no sabía que lo hacía tan mal, a la muerte de su padre heredó una importante suma de dinero que le permitió realizar su sueño. Un sueño del que en el siglo XXI estamos siendo testigos con la obra dirigida por Yllana y en la que Llum Barrera da vida a la artista. Hemos charlado con la actriz y periodista mallorquina, que ha tenido que llevar a cabo un gran trabajo, pues, sin duda,debe resultar tremendamente difícil “no dar una” en la escala musical:

Pregunta: Cantar bien es complicado, ¿Lo puede ser más cantar como lo hacía Florence?


Llum Barrera: La verdad es que sí. La gente no se da cuenta hasta que no ve la función, pues siempre, cuando algún amigo que no la ha visto, me dice “después te paso a buscar y nos tomamos algo” y le respondo “es que yo no puedo tomar mucho.”... Yo salgo de la función, saludo y me voy corriendo a casa como si fuera Raphael”, pero como te lo digo... tienes que estar bien de voz, no puedes quedarte afónico a pesar de los exabruptos y los gritos que sueltas, sí, es muy complicado...

Pregunta: ¿Cómo has llegado a ser “La peor cantante del mundo”?


Llum Barrera: En primer lugar investigué sobre el personaje, quería saber quién era, porque al existir realmente quería saber si la realidad superaba a la ficción o no... Realmente, superaba la ficción esta señora, aunque no hay documentos de imágenes pero sí sonoros, entonces al oírla, pensé “Dios mío, es imposible imitar a esta señora, habrá que inventarse algo a partir de eso”... y es un poco lo que he hecho con la voz que yo tengo y mis posibilidades, intentar sacar el espíritu de no ser consciente de que cantas mal, sino de que disfrutas cantando y luego como actriz, intentando cantar lo peor que puedes, buscando la comicidad pero sin ridiculizar al personaje... sino, buscar la comicidad que requiere la obra, evidentemente, pero siempre desde la ilusión por cantar e incluso de que lo haces bien.

Pregunta: Realmente creo que lo conseguís, Ángel Ruiz y tú, pues acabamos comprendiendo y compartiendo el sueño de esta mujer, totalmente apasionada por la música...


Llum Barrera: Sí, yo creo que el mensaje es muy bonito, porque la función termina con Ángel interpretando el personaje de Cosme Mcmoon, diciendo que él también acabó rendido a los pies de esa mujer, cuando al principio era un hombre cínico, que iba sólo por la pasta... En la función también se ha querido homenajear a ese personaje que en realidad no fue tan buena persona, pero se ha pretendido que sea el reflejo del público que empieza riéndose de ella y al final quieren llevársela a casa... porque qué hay de malo porque una persona pueda cumplir su sueño... si quiere hacer lo que más le gusta en la vida, que en este caso es cantar... Si dijeras que su sueño es coger una escopeta y matar a la gente, pues está mal... pero en este caso simplemente es cantar y es realizar tu sueño... y es un mensaje tan bonito que hace salir a la gente con una sonrisa en los labios...

Pregunta: Sí, es un mensaje bonito que sin embargo queda manchado (en parte) pues también se nos dice que con dinero se puede hacer cualquier cosa...

Llum Barrera: Hombre, eso está claro... A cumplir tu sueño te ayuda muchísimo tener una buena cuenta corriente porque claro, si todos los actores tuviésemos mucho dinero... nuestro sueño sería irnos un año a Londres, otro año a Estados Unidos, a Nueva York a estudiar, a intentar trabajar... claro, ayuda mucho a cumplir tu sueño... pero no tiene por qué ir ligada la ilusión, la pasión que tengas por la vida con el dinero... claro que ayuda, pero creo que lo que más ayuda es el espíritu que tengas, la tenacidad, las ganas de trabajar... yo creo que eso es lo que más tenía esa mujer, por todo el dinero del mundo que puedas tener (que ella lo tenía) si no hubiese estado tan ilusionada, yo creo que no hubiera conseguido su sueño, imagínate cantó en el Carneggie Hall... si no hubiera sido por sus ganas de trabajar, por su empeño en seguir, según ella, mejorando en su trabajo y en su tesitura de voz, no hubiera llegado ahí. Lo material está bien pero siempre el espíritu que tenemos es lo que nos empuja hacia dónde queremos llegar.

Pregunta: Podemos decir que a Florence no le perdía la fama, como suele pasar hoy...


Llum Barrera: Claro es que entonces no existía la televisión... no sé, en los cuarenta.... quizá en Estados Unidos sí, aquí empezó más tarde; pero quiero decir que la televisión entonces era meramente informativa, todavía no existía la televisión como ahora, que es un espectáculo donde se van a buscar freakys, se quema a la gente, a ensalzarles para luego verlos caer desde lo más alto... era otro momento social, también... a ella no le perdía la fama, aunque evidentemente ella estaba encantada de ser conocida, de tener esos admiradores tan importantes como Cole Porter o Irvin Berlin o los actores de la época... Ella claro que era conocida en esa época, sino, no hubiéramos sabido nada de ella... Aparecía en las crónicas de la época, en las crónicas sociales, con lo que se dio a conocer y cien años después de nacer seguimos hablando de ella, pero no le perdió la fama porque entonces no existía ese arma de doble filo para la fama que es la televisión, que te viene muy bien para darte a conocer, pero también para que te maten... entonces tuvo esa suerte de no tener ese arma porque sino, seguro se la habían cargado... hoy en día se la hubieran cargado en dos meses...

Pregunta: ¿Cuándo decides iniciar tu carrera como actriz?


Llum Barrera: Cuando acabé la carrera de periodismo, llevaba cuatro años trabajando como tal, y no sé, fue una carambola, una apuesta, como quieras llamarlo... Estaba con mis compañeros del diario y les comenté que me quería apuntar a un curso de voz y canto que hacían en la escuela de teatro de Barcelona, en el Institute de Teatre y ellos mismos son los que me dijeron que probase suerte con este tema, porque “tenía mucha gracia”... y fue un poco “no eres capaz, sí eres capaz...” ... y claro, al “catarlo” descubrí que tenía más opciones de ganarme la vida como actriz que como periodista, que igual tenía más garra interpretando que buscando exclusivas... Compaginé el trabajo un par de años, como actriz y como periodista y al final tuve que decidirme por uno de los dos porque no podía ser... Pero viene bien tener la otra visión de las cosas, tener siempre opinión de las cosas; todo lo que aprendí en la facultad y trabajando como periodista me viene muy bien también en mi vida cotidiana y profesional.

Pregunta: Desde esa perspectiva, por qué crees que los medios no apoyan tanto al teatro como a otras artes, por ejemplo, el cine...


Llum Barrera: Bueno... mira por ejemplo los invitados que puede tener Pablo Motos... No es lo mismo llevar a Elsa Pataky que va a estrenar una película que van a ver millones de personas que llevar a Llum Barrera que acaba de estrenar una función que para que me vean millones de personas tienen que pasar años... tienen que pasar muchos años para que yendo bien me haya visto un millón de personas o dos millones de personas. El teatro no mueve el mismo dinero que mueve el cine, no llega a tanta gente como llega el cine, no tiene los distribuidores que tiene el cine, claro, es que la inversión es infinitamente menor en el teatro y mayor en el cine, con lo que la pasta mueve el mundo, eso está claro.

Pregunta: Sí pero entonces, nos encontramos con la frase hecha de “la pescadilla que se muerde la cola”. No hay apoyo porque no hay distribución, porque no llega al público... pero para ello se requiere el apoyo de los medios...

Llum Barrera: Ya, pero fíjate cuando estás en promoción te das cuenta de que las radios que te llaman son las radios pequeñas... también radios grandes pero en programas culturales que suelen emitirse de noche... te das cuenta de que en los grandes programas matinales o de tarde, hay poco espacio para el teatro... algunos se arriesgan, hay poco espacio porque primero es una cosa que pasa en Madrid, con lo que los programas de emisión nacional tienen ese hándicap... y luego que si no eres Concha Velasco o Blanca Portillo o alguien mundialmente conocido, cuesta muchísimo... el teatro es el hermano pobre de la cultura y no debería ser así, porque es el que más alimenta el alma, al menos eso creo... No es lo mismo ver una película que ver a los actores que cada noche te lo están haciendo en directo para ti, con sus problemas, si tienes más tos, si tienes un resfriado, si tienes un día brillante... lo están haciendo para ti y tú estás viendo en directo todo lo que está pasando, cómo respiran, cómo tropiezan, cómo todo... y eso a mí me parece que para alguien que realmente le guste la interpretación y le guste el teatro en sí, es mucho más rico... luego el cine, está apoyado por otros recursos técnicos que no tiene el teatro, evidentemente, ni falta que le hace... pero esa inmediatez que tiene el teatro para alguien que lo sepa apreciar, porque hay gente que no lo soporta, que se pone muy nerviosa viendo a los actores ahí... pero la gente que sepa apreciar eso, es infinitamente más gratificante... es una generosidad por parte de los actores siempre que en el cine está filtrado, está mucho más tamizado...

Pregunta: ¿Le estamos dando comida basura al alma?


Llum Barrera: Yo creo que depende de las veces que quieras abrir la boca para comerla... yo no veo nada de eso, por ejemplo... Yo intento no ver nada ni enterarme de nada porque me repugna. Intento ver las series que me gustan o las películas que me gustan y si no, cojo un buen libro, me divierte muchísimo más, porque ahora mismo, lo que es entretenimiento en televisión hay muy poquitas cosas que se salven... Ni me interesa ver a un chino que se está abriendo la cabeza, de ésas cosas de zapping que te ponen... ni por supuesto la vida de Belén Esteban, me importa un pito, como te puedes imaginar... me importa más la tuya que no te conozco, fíjate... de importarme, me importaría más la vida de alguien normal, que trabaja, que se ha preparado para tener un trabajo (risas)... que no la de toda esta gente que... quien quiera que lo vea, pero sí se está dando un poquito de basurita...

Pregunta: ¿Y Qué le puede pasar a esta sociedad para ingerir y defender incluso la basura que se nos ofrece?

Llum Barrera: Yo creo que son muchos años de educar a la gente para que vea eso; la gente ve lo que tú le das, o sea, no es que la gente lo pida, ésa es la gran excusa que ponen las teles para dar basura. Evidentemente son programas que dan mucho rendimiento económico y la gente se acostumbra y la gente lo que quiere es llegar a casa y no tener que pensar y para ver eso, no hace falta ni que atiendas... a la gente también le gusta ver que hay alguien que aunque gane más que ellos, en el fondo está peor que ellos porque son gente que muestran sus miserias en televisión y entonces se ponen en ridículo y en evidencia y a la gente le gusta verlo... por eso triunfan los realities, por eso funcionan ese tipo de cosas donde la gente pierde la dignidad y eso es malo porque estamos reeducando mal a muchas generaciones ya por eso es importante, sería importante intentar que nuestros hijos no lo vieran o que no crecieran recibiendo ese mensaje... pero ya no te puedes meter en las familias, en las casas de cada uno porque cada cual hace lo que quiere... pero sí es cierto que en épocas de crisis gusta mucho ver ese tipo de programa porque no tienes que pensar en nada... pero yo siempre le digo a la gente que viene al teatro y me dice que hace tiempo que no venía y que le ha sentado fenomenal... le digo que es bueno, que salga y vaya a ver cualquier cosa, porque será seguro mejor que lo que ponen en la tele... pero, en el caso de Glorious! La peor cantante del mundo, es una buena comedia y para los tiempos que corren es una comedia que te hace pensar en cosas bonitas, no en bazofia...

Pregunta: “Glorious” La peor cantante del mundo, está dirigida por una de las grandes compañías en comedia, Yllana. Aunque tú has trabajado con dos grandes en este género Comediants y Tricicle...

Llum Barrera: Sí, he tenido mucha suerte porque he aprendido muchísimo con todos; con Yllana no había trabajado nunca y la verdad es que ha sido una gran lección, en los ensayos... bueno, todos los días aprendes algo, hablas con el director, le comentamos algún cambio... aprendemos los unos de los otros, porque tengo la gran suerte además, de tener a dos compañeros que son dos estrellas de la comedia, nos entendemos a la perfección porque conocemos el código de la comedia, el código de “ahora tú, ahora yo” no sólo que se rían conmigo, que eso es fatal para una comedia... entonces, en eso estamos muy orgullosos, porque hemos hecho un equipo muy bueno, Ángel ya había trabajado con Yllana, Alejandra y yo no, Alejandra viene de trabajar, de hacer improvisaciones en Barcelona, de hacer cosas con Buenafuente, con Corbacho, de hacer monólogos... tenemos ahí un código de lo que es la comedia, sus pausas, su ritmo, todo es muy parecido y eso ha hecho que nos entendiéramos perfectamente y pilláramos el rollo muy rápido...

Pregunta: Has dicho alguna vez que no te importa ser infiel profesionalmente; es decir que el cine, la televisión y el teatro te apasionan por igual...

Llum Barrera: A mí me gustan mucho, aunque donde me muevo mejor es en el teatro que es lo que más he hecho, pero me encanta lo de resolver rápidamente en tele... es un reto cada día... Ahora vengo de grabar una serie muy dramática en Barcelona, en TV3, que se emitirá en enero y la verdad es que eso de pasar de cero a cien de emoción, es complicado. En teatro tienes un proceso, tienes un texto que te va marcando, tienes un tiempo de ensayos... en tele no, en tele tú sabes que mañana a las ocho de la mañana tienes que estar lista y tienes esa escena en que se muere tu hijo y piensas ¿cómo voy a hacer esto?... A mí eso siempre me supone un reto, la tele siempre te supone un reto de poner la máquina a punto, rápido, de cero a cien, como los coches... de cero a cien en siete segundos.... El cine es otra cosa, tiene una complicación técnica que aún no domino nada, cuando hago alguna película siempre llamo a mis amigos que tienen más experiencia y siempre digo “Dios mío lo que me cuesta, no entiendo nada”... Si me dicen que está bien, me lo creo, pero siempre me siento como que no entiendo nada de lo que estoy haciendo ni de dónde me están cogiendo... pero, es otro reto, es otra cosa que me queda por aprender, es otro medio que me es muy desconocido pero en el que disfruto mucho, eso de verte en grande es supergratificante para el ego de un actor... es una sensación... y te ven en otros países... te hace ilusión...

Sofía Basalo.